Come scrivere belle melodie. Metodo della luce

Molti utenti inesperti di smartphone Android stanno scoprendo un nuovo fantastico mondo di cose che ora possono fare facilmente e semplicemente. Ognuno ha la sua canzone preferita. Molti ne hanno più di uno. E, se ami davvero una melodia, perché non crearne una tua suoneria? Forse col tempo ti stancherai, ma saprai già come farlo direttamente sul tuo dispositivo mobile Android utilizzando l'applicazione Ringdroid, scaricabile dal Google Play Store.

Ci sono molti modi per creare una suoneria, ma non tutti sono così semplici e comprensibili da offrirli agli utenti inesperti oa quelle persone che sono poco interessate alla saggezza del computer. C'è una meravigliosa applicazione Ringdroid che ti permette non solo di usare qualsiasi melodia o canzone come suoneria, ma anche di sceglierne tu stesso una parte. Quando la suoneria è pronta, puoi impostarla come suoneria principale o per un contatto specifico. Loe Favre, un revisore per la risorsa Android, sottolinea che Ringdroid è facile da capire per gli utenti inesperti della piattaforma mobile più popolare al mondo.

Conoscere Ringdroid per la prima volta

Informazioni generali sull'editor di suonerie Ringdroid
Ringdroid Ringtone Maker di Ringdroid Team può essere scaricato dall'Android Store.

Appartiene alla categoria Media e video ed è stato aggiornato il 23 agosto 2012. Sul dispositivo è installata una versione compatibile. La versione Android supportata dipende dal dispositivo. Non ci sono limiti di età. L'app è stata scaricata da 10 milioni a 50 milioni di volte, il che indica la sua sufficiente popolarità.

Ringdroid supporta file audio MP3, WAV, AAC e AMR. Con l'applicazione è possibile creare non solo suonerie, ma anche allarmi personalizzati e toni di notifica.

Prepararsi a creare una suoneria
1. Scarica la canzone da cui vuoi creare una suoneria sul tuo dispositivo mobile.

2. Aprire l'applicazione e selezionare un brano dall'elenco fornito. Un esempio sarà la famosa canzone di Capodanno per bambini "Un albero di Natale è nato nella foresta". Ognuno ha gusti diversi, ognuno preferisce un certo genere. Molti hanno gruppi e artisti preferiti. E solo questa canzone, familiare a tutti fin dall'infanzia, è indiscutibilmente amata da rappresentanti di diverse generazioni e intenditori di vari stili musicali. La scelta della canzone di esempio è dovuta al fatto che la qualità della composizione non dovrebbe distrarre dalla cosa principale: la familiarità con l'applicazione.

Creazione di suonerie

1. Toccando un brano nell'elenco, si apre il suo audiografico. Ci sono due cursori su questo grafico che puoi spostare all'interno della canzone. Con il loro aiuto, selezioni il frammento della melodia che diventerà la tua suoneria.

2. Dopo aver selezionato un frammento, è possibile salvare la suoneria toccando l'icona con l'immagine di un dischetto retrò, spesso contrassegnata dal pulsante "Salva". Nella finestra di dialogo di salvataggio è presente un elenco "Tipo", aprendo il quale è possibile selezionare il tipo di segnale. È possibile modificare il nome del file prima di salvare. Decidi se la suoneria che crei sarà una suoneria o una notifica, una musica o una sveglia. La suoneria salvata è impostata come sveglia predefinita.

È difficile trovare una persona indifferente alla musica. Anche Google da brani e canzoni. Ma quanto sono appropriati i frammenti di canzoni come suonerie del telefono? Dopotutto, ognuno ha gusti diversi e la suoneria è ascoltata da tutti per strada e nei trasporti. Forse la musica è qualcosa che è meglio godersi personalmente, invece di "deliziare" tutti i passanti con le loro composizioni preferite, che forse non sarebbero andati affatto al concerto?

Quanto sei interessato alla possibilità di cambiare suonerie? O le melodie standard sono sufficienti? In precedenza, quando questa opportunità era appena apparsa nei telefoni, molti erano stati portati via dal costante cambio di suonerie. Le melodie telefoniche sono diventate quasi l'hobby principale delle giovani generazioni. Ma sono passati solo pochi anni e gli smartphone hanno acquisito tali opportunità, sullo sfondo delle quali la capacità di cambiare la suoneria si è leggermente attenuata.

Se senti il ​​bisogno di creare musica, ma non senti il ​​desiderio o l'opportunità di acquisire un mucchio di strumenti musicali, puoi fare tutto questo nel programma FL Studio. È una delle migliori workstation per creare la tua musica ed è facile da imparare e da usare.

FL Studio è un software avanzato di produzione musicale, missaggio, mastering e arrangiamento. È utilizzato da molti compositori e musicisti negli studi di registrazione professionali. Con questa workstation, vengono creati veri successi e in questo articolo ti mostreremo come creare la tua musica in FL Studio.

Dopo aver scaricato il programma, esegui il file di installazione e installalo sul tuo computer seguendo le istruzioni del "Wizard". Dopo aver installato la workstation, sul PC verrà installato anche il driver audio ASIO, necessario per il suo corretto funzionamento.

Creazione di musica

Scrivere una parte di batteria

Ogni compositore ha un approccio diverso alla scrittura della musica. Qualcuno inizia con la melodia principale, qualcuno con batteria e percussioni, creando prima uno schema ritmico, che poi crescerà e si riempirà di strumenti musicali. Inizieremo con la batteria.

La creazione di composizioni musicali in FL Studio avviene in più fasi e il flusso di lavoro principale procede su schemi: frammenti, che vengono quindi assemblati in una traccia a tutti gli effetti, situata nella playlist.

I campioni one-shot necessari per creare una parte di batteria sono contenuti nella libreria FL Studio ed è possibile selezionare quelli appropriati tramite il comodo browser del programma.

Ogni strumento deve essere posizionato su una traccia separata del pattern, ma può esserci un numero illimitato di tracce. Anche la lunghezza del pattern è illimitata, ma 8 o 16 misure saranno più che sufficienti, poiché qualsiasi frammento può essere duplicato nella playlist.

Ecco un esempio di come potrebbe apparire una parte di batteria in FL Studio:

Crea una melodia

Il set di questa workstation contiene un gran numero di strumenti musicali. La maggior parte di loro sono vari sintetizzatori, ognuno con una vasta libreria di suoni e campioni. È possibile accedere a questi strumenti anche dal browser del programma. Dopo aver scelto un plug-in adatto, è necessario aggiungerlo al modello.

La melodia stessa deve essere registrata nel Piano Roll, che può essere aperto cliccando con il tasto destro sulla traccia dello strumento.

È altamente consigliabile prescrivere la parte di ogni strumento musicale, ad esempio chitarra, pianoforte, batteria o percussioni, su uno schema separato. Ciò semplificherà notevolmente il processo di miscelazione della composizione e l'elaborazione degli strumenti con gli effetti.

Ecco un esempio di come potrebbe apparire una melodia scritta in FL Studio:

Quanti strumenti musicali usare per creare la tua composizione dipende da te e, naturalmente, dal genere che scegli. Come minimo, dovrebbero esserci batteria, una linea di basso, una melodia principale e qualche altro elemento o suono aggiuntivo per cambiare.

Lavorare con una playlist

I frammenti musicali che hai creato, distribuiti ai singoli pattern FL Studio, devono essere inseriti nella playlist. Segui lo stesso principio dei pattern, ovvero uno strumento, una traccia. Quindi, aggiungendo costantemente nuovi frammenti o rimuovendo alcune parti, riunirai la composizione, rendendola varia, non monotona.

Ecco un esempio di come potrebbe apparire una composizione con motivi in ​​una playlist:

Elaborazione del suono con effetti

Ogni suono o melodia deve essere inviato a un canale del mixer FL Studio separato, dove può essere elaborato con una varietà di effetti, tra cui EQ, compressore, filtro, limitatore, riverbero e altro.

Pertanto, darai ai singoli frammenti un suono da studio di alta qualità. Oltre a elaborare gli effetti separatamente per ogni strumento, devi anche assicurarti che ciascuno di essi suoni nella propria gamma di frequenze, non esca dal quadro generale, ma non attutisca / tagli l'altro strumento. Se hai un orecchio (e di certo lo hai, visto che hai deciso di creare musica), non dovrebbero esserci problemi. In ogni caso, ci sono molti manuali di testo dettagliati e tutorial video su come lavorare con FL Studio su Internet.

Inoltre, è possibile aggiungere al canale master uno o più effetti generali che migliorano la qualità del suono dell'intera composizione. Questi effetti si applicheranno all'intera composizione nel suo insieme. Qui devi essere estremamente attento e attento in modo da non influenzare negativamente ciò che hai fatto prima con ciascun suono / canale separatamente.

Automazione

Oltre all'elaborazione di suoni e melodie con effetti, il cui compito principale è migliorare la qualità del suono e portare l'immagine musicale complessiva in un unico capolavoro, questi stessi effetti possono essere automatizzati. Cosa significa? Immagina che a un certo punto della composizione, uno degli strumenti inizi a suonare un po' più piano, "lasci" su un altro canale (sinistro o destro) o inizi a suonare con qualche effetto, e poi ricominci a suonare nella sua forma "pulita". Quindi, invece di registrare ancora una volta questo strumento in un pattern, inviarlo su un altro canale, processarlo con altri effetti, potete semplicemente automatizzare il regolatore che è responsabile di questo effetto e far sì che il frammento musicale si comporti così in una specifica sezione di la pista, se necessario.

Per aggiungere una clip di automazione, fare clic con il pulsante destro del mouse sulla manopola desiderata e selezionare "Crea clip di automazione" dal menu che appare.

La clip di automazione appare anche nella playlist e si estende per l'intera lunghezza dello strumento selezionato rispetto alla traccia. Controllando la linea, imposterai i parametri necessari per la manopola di controllo, che cambierà la sua posizione durante la riproduzione della traccia.

Ecco un esempio di come potrebbe apparire l'automazione della "dissolvenza" di una parte di pianoforte in FL Studio:

Allo stesso modo, puoi anche impostare l'automazione per l'intera traccia. Questo può essere fatto nel canale master del mixer.

Un esempio di automazione di una dissolvenza uniforme dell'intera composizione:

Esportazione di una composizione musicale finita

Dopo aver creato il tuo capolavoro musicale, non dimenticare di salvare il progetto. Per ottenere una traccia musicale da utilizzare o ascoltare al di fuori di FL Studio, è necessario esportarla nel formato desiderato.

Questo può essere fatto attraverso il menu "File" del programma.

Selezionare il formato desiderato, specificare la qualità e fare clic sul pulsante "Avvia".

Oltre a esportare l'intera composizione musicale, FL Studio consente anche di esportare ogni traccia separatamente (devi prima distribuire tutti gli strumenti e i suoni ai canali del mixer). In questo caso, ogni strumento musicale verrà salvato come traccia separata (file audio separato). Ciò è necessario nei casi in cui desideri trasferire la tua composizione a qualcuno per ulteriori lavori. Potrebbe trattarsi di un produttore o di un tecnico del suono che mixerà, metterà a punto o modificherà in qualche modo la traccia. In questo caso, questa persona avrà accesso a tutti i componenti della composizione. Usando tutti questi frammenti, sarà in grado di creare una canzone semplicemente aggiungendo la voce alla composizione finita.

I primi strumenti musicali - flauti d'osso - sono apparsi circa 35 mila anni fa, ma l'umanità avrebbe potuto fare musica molto prima di loro. Nel corso del tempo, la comprensione della musica è diventata sempre più profonda. Sebbene per creare musica, non sia necessario conoscere a fondo la teoria delle scale, del ritmo, della melodia e dell'armonia, tuttavia, alcune conoscenze in quest'area ti aiuteranno a creare musica di migliore qualità.

Passi

Parte 1

1. Comprendi la differenza tra "pitch" e "note". Questi termini sono usati per descrivere le qualità dei suoni musicali. Sono correlati ma hanno alcune differenze.

   • Il tono si riferisce a quanto è basso o alto un suono, a seconda della sua frequenza. Maggiore è la frequenza, maggiore è il suono. La differenza di frequenza tra suoni di altezze diverse è chiamata intervallo.
   • Una nota denota un suono di una certa frequenza. La frequenza standard per la prima ottava A (A) è 440 Hz, sebbene alcune orchestre utilizzino uno standard diverso, come 443 Hz, per ottenere un suono più brillante.
   • La maggior parte delle persone può capire se una nota è corretta quando viene suonata un'altra nota insieme ad essa o una serie di note di una composizione che conoscono. Questo si chiama "udito relativo". Un piccolo numero di persone ha sviluppato il "tono perfetto", che consente di determinare il tono senza sentire un altro suono.

2. Comprendi la differenza tra "timbro" e "tono". Questi termini sono comunemente usati in relazione agli strumenti musicali.

   • Il timbro si riferisce a una combinazione di intonazione standard e armonici che appaiono quando si suona una nota su uno strumento musicale. Se prendi in mano la corda del E (E) basso di una chitarra acustica, infatti, sentirai non solo la nota del E (E) basso, ma ulteriori armoniche superiori a quella standard. È la combinazione di questi suoni, detti anche armonici, che rende unico ogni strumento.
   • Il tono è un termine più astratto. Denota l'effetto che una combinazione di tono standard e armonici ha sull'udito di una persona. L'aggiunta di armoniche più alte al timbro darà un tono più brillante e chiaro, mentre le armoniche più basse daranno un tono più morbido.
   • Un tono è anche chiamato l'intervallo tra due suoni di altezze diverse (tono intero). La metà di questo intervallo è chiamata semitono.

3. Impara i nomi delle note. Le note possono essere nominate in diversi modi. In Occidente, due metodi sono più comuni.

   • Nomi alfabetici: I nomi alfabetici vengono assegnati alle note con una certa frequenza. Nei paesi di lingua inglese e danese, queste sono le lettere dalla A alla G. Nei paesi di lingua tedesca, la lettera B sta per la nota B-flat, o B-flat (il tasto nero del pianoforte tra le note A e B), e la lettera H è usata per denotare la nota B, o B (tasto bianco su un pianoforte con una nota B).
   • Solfeggio: In questo sistema, le note hanno nomi monosillabici secondo la loro sequenza nella scala. Il sistema fu sviluppato nell'XI secolo dal monaco Guido d "Arezzo, che usava "ut, re, mi, fa, sol, la, si", tratto dalle prime parole di ogni verso dell'inno a Giovanni Battista. Nel corso del tempo," ut "è stato sostituito da "prima", e alcuni hanno abbreviato "sale" in "so" (in alcune parti del mondo il sistema del solfeggio è il sistema principale di notazione per le note).

4. Comprendere le note nella scala. Una gamma è una sequenza di intervalli in cui il suono più alto in una gamma ha una frequenza doppia di quella più bassa. Questa gamma è chiamata un'ottava. Alcune scale comuni sono:

   • La scala cromatica ha 12 intervalli di semitoni. Suonare un'ottava al pianoforte, partendo dalla nota "DO" della prima ottava fino alla nota "DO" della seconda ottava, cioè premendo successivamente tutti i tasti bianco e nero, denota la scala cromatica. Altre scale sono più ridotte di questa.
   • La scala maggiore ha sette intervalli: il primo e il secondo sono toni interi; il terzo è un semitono; il quarto, il quinto e il sesto - in toni interi; l'intervallo di settima è un semitono. Suonare un'ottava al pianoforte dalla nota C della prima ottava alla nota C della seconda ottava, usando solo i tasti bianchi, è un esempio di scala maggiore.
   • La scala minore ha anche sette intervalli. La forma più comune è la scala minore naturale. Il primo intervallo è un tono intero, il secondo è un semitono, il terzo e il quarto sono toni interi, il quinto è un semitono, il sesto e il settimo sono toni interi. Suonare un'ottava al pianoforte da un La in un'ottava minore a un La in una prima ottava, usando solo i tasti bianchi, è un esempio di scala minore naturale.
   • La scala della scala pentatonica ha cinque intervalli. Il primo intervallo è un tono intero, il secondo è di tre semitoni, il terzo e il quarto sono un tono intero ciascuno, il quinto è di tre semitoni. Nella tonalità di C (C), le note pentatoniche saranno C (C), D (D), F (F), G (G), A (A) e ancora C (C). Puoi anche suonare la scala pentatonica usando solo i tasti neri del pianoforte, tra la prima e la terza ottava. La scala pentatonica è utilizzata nella musica africana, nella musica dell'Asia orientale e indiana e nella musica popolare.
   • La primissima nota della scala è chiamata tonica. Di solito, le canzoni sono scritte in modo tale che la nota fondamentale sia l'ultima nota della canzone. Una canzone scritta nella tonalità di Do termina quasi sempre con una nota di Do. Spesso viene indicato accanto a una nota se la tonalità è maggiore o minore; se non specificato, la chiave è considerata maggiore.

5. Usa diesis e bemolle per alzare o abbassare le note. Diesis e bemolle alzano o abbassano una nota di un semitono. Sono necessari per suonare in tonalità diverse da Do maggiore e La minore e per mantenere gli intervalli corretti. Diesis e bemolle sono indicati accanto alle note sulla notazione musicale e sono chiamati segni di alterazione.

   • Un hash (simile a un hashtag - #) accanto a una nota la aumenta di un semitono. Nelle chiavi Sol maggiore e Mi minore (Sol maggiore e Mi minore), la nota F (FA) viene alzata di un semitono ed è la nota F diesis.
   • Un bemolle (simile alla lettera maiuscola inglese "b") accanto a una nota la abbassa di un semitono. Nelle chiavi Fa maggiore e Re minore (Fa maggiore e Re minore), la nota B (B) viene abbassata di un semitono ed è la nota B-flat.
   • Per comodità, all'inizio di ogni riga della notazione musicale sono indicate le note da abbassare o alzare in una particolare tonalità. In questo caso, i segni di alterazione dovrebbero essere usati solo per le note al di fuori della tonalità maggiore o minore in cui è scritta la canzone. Tali segni di alterazione saranno applicati solo alle singole note all'interno di una battuta.
   • Un segno bekar (sembra un parallelogramma verticale con linee che salgono e scendono dai suoi due vertici), situato accanto a una nota, significa che questa nota non deve essere alzata o abbassata in questa sezione della canzone. Bekar non è mai indicato all'inizio di una notazione musicale insieme ad altri segni di alterazione, ma può essere usato per cancellare diesis e bemolle all'interno di una misura.

   Parte 2

   Battiti e ritmo

   1. Comprendi la differenza tra beat, beat e tempo. Anche questi termini sono correlati.

      • Beat (beat) è un termine che caratterizza la pulsazione della musica. Un battito può essere una nota che suona o un pezzo di silenzio chiamato pausa. Inoltre, durante un battito possono suonare più note e viceversa: una nota o una pausa possono durare più battute.
      • Il ritmo è una serie di battiti e pulsazioni. Il ritmo è determinato dalla posizione delle note e delle pause nella canzone.
      • Il tempo è la velocità con cui viene riprodotta la canzone. Più veloce è il tempo, più battiti suonano al minuto. La canzone "The Blue Danube Waltz" ha un ritmo lento, mentre "The Stars and Stripes Forever" ha un ritmo veloce.

   2. Un insieme di battute in misure. Un bar è una raccolta di ritmi. Ogni misura ha un numero uguale di battute. Il numero di battute in ogni misura della canzone è indicato all'inizio del rigo del rigo quando si indica una battuta, che sembra una frazione senza una barra che separa numeratore e denominatore.

      • Il numero in alto indica il numero di battute per misura. Di solito questo numero è 2, 3 o 4, ma può essere 6 o più.
      • Il numero in basso indica quale nota viene suonata in un'intera battuta. Se il numero in basso è 4, viene presa una semiminima in una battuta (sembra un ovale pieno con una linea verticale). Se il numero inferiore è 2, viene ricevuta una mezza nota in un battito (sembra un ovale aperto con una linea verticale). Se il numero inferiore è 8, viene ricevuta una nota da un ottavo in un battito (sembra una nota da un quarto con una bandiera).

   3. Trova un ritmo forte. Il ritmo è determinato da quali battute (battiti) in una misura sono forti (accentati) e deboli (non accentati).

      • Nella maggior parte delle canzoni, il primo battito (beat) è il battere o il battito accentato. I battiti rimanenti (battiti) non sono accentati, sebbene in una misura con quattro movimenti, anche il terzo tempo può essere accentato, ma il suo accento sarà più debole del primo tempo.
      • A volte nella musica vengono accentuati i battiti deboli invece di quelli forti. Questo è chiamato sincronizzazione; in questo caso, si dice che l'enfasi è sul tempo debole.

   Parte 3

   Melodia, armonia e accordi

   1. Identifica la canzone dalla melodia. Una melodia è una sequenza di note di diverse altezze, che suonano in un certo ritmo, che una persona percepisce come una composizione integrale.

      • La melodia è composta da frasi disposte in misure. Queste frasi possono essere ripetute per tutta la melodia, come nella canzone di Natale "Deck the Halls", in cui la prima e la seconda riga hanno la stessa sequenza di note nelle misure.
      • Molto spesso, le canzoni usano la seguente struttura: una melodia accompagna il verso e un'altra melodia ad essa associata accompagna il ritornello.

   2. Aggiungi armonia alla melodia. L'armonia è il gioco di note al di fuori della melodia corrente per rendere il suono più brillante e contrastante. Come notato sopra, molti strumenti a corda possono produrre toni diversi quando vengono presi in mano; gli armonici che suonano insieme al tono principale sono una delle forme dell'armonia. L'armonia può essere ottenuta suonando varie frasi musicali e accordi.

      • L'armonia che esalta il suono di una melodia si chiama consonante. Gli armonici che suonano insieme alla fondamentale quando si prendono le corde sulla chitarra sono un esempio di armonia consonante.
      • L'armonia che contrasta con la melodia si chiama dissonante. L'armonia dissonante può essere ottenuta suonando melodie contrastanti, come nel caso della canzone "Row Row Row Your Boat", quando diversi gruppi di persone iniziano a cantare la frase sopra in momenti diversi.
      • In molte canzoni, la dissonanza viene utilizzata per esprimere sentimenti vaghi e ulteriori progressi verso l'armonia consonante. Come nell'esempio di "Row Row Row Your Boat", una volta che ogni gruppo finisce di cantare un verso, la canzone diventa più calma finché l'ultimo gruppo canta "Life is but a dream".

   3. Raggruppa le note in accordi. Un accordo è composto da tre o più note che suonano simultaneamente o non simultaneamente.

      • Gli accordi più comunemente usati sono le triadi (tre note), in cui ogni nota successiva è a due note dalla precedente. In un accordo di C maggiore, le note dell'accordo saranno C (tonica), E (terza maggiore), G (quinta). In un accordo di Do minore, la nota E sarà sostituita dalla nota E bemolle (terza minore).
      • Un altro accordo comunemente usato è l'accordo di settima, che aggiunge una quarta nota alla triade, la settima dalla fondamentale. Nel settimo accordo in Do maggiore, la nota B viene aggiunta alla triade C-E-G, risultando in una sequenza C-E-G-B. Gli accordi di setti sono più dissonanti delle triadi.
      • Puoi usare un accordo diverso per ogni nota in una canzone; si crea così la cosiddetta armonia del "parrucchiere". Molto spesso, tuttavia, le note di un determinato accordo vengono suonate negli accordi, ad esempio suonando un accordo di Do maggiore per riprodurre le note di MI.
      • Molte canzoni hanno tre accordi, la cui fondamentale è la prima, la quarta e la quinta nota della scala. In questo caso vengono utilizzati i numeri romani I, IV e V. Nella tonalità di Do maggiore, questi accordi saranno Do maggiore, Fa maggiore e Sol maggiore. Spesso un accordo di V maggiore o minore viene sostituito con un accordo di settima; così, nella tonalità di Do maggiore, l'accordo di V sarebbe il settimo in Sol maggiore.
      • Gli accordi I, IV e V sono correlati alla tonalità. L'accordo di Fa maggiore è l'accordo IV nella tonalità di Do maggiore e l'accordo di Do maggiore è a sua volta l'accordo di V nella tonalità di Fa maggiore. Inoltre, un accordo di sol maggiore è un V nella tonalità di do maggiore e un accordo di do maggiore è un accordo di IV in tonalità di sol maggiore. Queste relazioni si applicano anche ad altri accordi e sono rappresentate in un diagramma chiamato quinto cerchio.

   Parte 4

   Tipi di strumenti musicali

   1. Strumenti a percussione. Questo tipo di strumento è considerato uno dei più antichi. La maggior parte è progettata per creare e mantenere il ritmo, anche se alcuni possono suonare melodie o creare armonia.

      • Gli strumenti a percussione che creano il suono grazie alla vibrazione della loro struttura sono chiamati idifoni. Ciò include strumenti che creano suono colpendosi contro se stessi, come piatti e nacchere, così come quelli che creano suono colpendo altri oggetti, come tamburi d'acciaio, triangoli e xilofoni.
      • Gli strumenti a percussione rivestiti che vibrano all'impatto sono chiamati membranofoni. Ciò include tamburi come timpani, tam-tam e bonghi, nonché strumenti a cui è attaccata una corda o un bastone che vibra al contatto, come un kuika.

   2. Strumenti a fiato. Gli strumenti a fiato creano il suono a causa della vibrazione che si verifica quando vengono soffiati. La maggior parte ha fori per il pitch bend in modo che possano suonare melodie e armonie. Gli strumenti a fiato si dividono in due tipi: flauti, che creano il suono facendo vibrare l'intero strumento, e tubi ad ancia, che contengono materiale vibrante. A loro volta, sono divisi in due sottotipi.

      • I flauti aperti creano il suono dividendo il flusso d'aria contro il bordo dello strumento. Flauti da concerto e flauti sono di questo tipo.
      • I flauti chiusi convogliano l'aria attraverso un canale all'interno dello strumento per separarla e creare vibrazioni. Le canne d'organo appartengono a questo tipo.
      • Negli strumenti ad ancia singola, questa canna è alloggiata in un bocchino. Quando viene soffiata dentro, la canna fa vibrare l'aria all'interno dello strumento e crea il suono. Il clarinetto e il sassofono sono esempi di strumenti ad ancia singola. (Sebbene il corpo del sassofono sia in rame, è considerato uno strumento a fiato perché utilizza una canna per creare il suono.)
      • Gli strumenti a doppia canna utilizzano due canne di canna strettamente collegate tra loro ad un'estremità. Su strumenti come l'oboe e il fagotto, questa doppia ancia dovrebbe essere tra le labbra del musicista, mentre su cornamuse e corni di corna, questa doppia ancia è sotto il coperchio.

   3. Ottoni. A differenza degli strumenti a fiato, che dirigono solo il flusso d'aria, gli ottoni vibrano con i movimenti delle labbra del musicista per creare il suono. Tali strumenti sono chiamati rame perché la maggior parte di essi sono fatti di rame; ma oltre a questo si dividono anche in sottospecie, a seconda della loro capacità di cambiare il suono dovuto al cambiamento della distanza che l'aria deve percorrere prima di uscire. Questo può essere ottenuto in uno dei due modi.

      • I tromboni usano una tenda per cambiare la distanza che l'aria deve percorrere prima di uscire. Quando il sipario è esteso, la distanza aumenta, abbassando il tono, e quando viene avvicinato, la distanza diminuisce, alzando il tono.
      • Altri ottoni, come la tromba e la tuba, utilizzano una serie di valvole per espandere o ridurre il flusso d'aria all'interno dello strumento. Queste valvole possono essere premute singolarmente o insieme per ottenere il suono desiderato.
      • I fiati e gli ottoni sono spesso indicati semplicemente come strumenti a fiato perché devono essere soffiati per creare musica.

   4. Strumenti a corda. Le corde degli strumenti a corda possono essere suonate in tre modi diversi: pizzicando (chitarra), percuotendo (dulcimer o martelletti su un pianoforte), o inchinandosi (violino o violoncello). Gli strumenti ad arco possono essere utilizzati sia per l'accompagnamento ritmico che melodico e possono essere suddivisi in tre categorie:

      • Il liuto è uno strumento a corde con un corpo risonante, come il violino, la chitarra e il banjo. Le corde sono della stessa lunghezza (eccetto per la corda inferiore su un banjo a cinque corde) e variano in spessore. Le corde più spesse producono un tono basso, mentre le corde più sottili producono un tono alto. Le corde vengono premute in posti speciali chiamati tasti, che ne accorciano la lunghezza e consentono loro di raggiungere diverse altezze.
      • L'arpa è uno strumento a corde, le cui corde sono inserite in una cornice speciale. Le corde dell'arpa sono in posizione verticale e hanno lunghezze diverse, e l'estremità inferiore di ciascuna corda è collegata al corpo risonante (ponte) dello strumento.
      • La cetra è uno strumento a corde con un corpo piatto di forma irregolare. Le corde della cetra possono essere tirate o agganciate e possono essere percosse direttamente o indirettamente, proprio come su un dulcimer o un pianoforte.
   • Le scale di naturale maggiore e minore sono collegate in modo tale che la scala minore della chiave sia di due note più bassa della scala maggiore con le stesse note, alzate o abbassate. Pertanto, le chiavi in ​​do maggiore e la minore, che non hanno diesis o bemolle, hanno lo stesso insieme di note.
   • Alcuni strumenti, o gruppi di strumenti, sono associati a determinati stili musicali. Ad esempio, i quartetti d'archi composti da due violini, viola e violoncello, vengono solitamente eseguiti in un genere di musica classica chiamato musica da camera. Le band jazz di solito hanno una sezione ritmica, composta da batteria, chiavi, a volte contrabbasso e tuba, e una sezione di ottoni, composta da trombe, tromboni, clarinetti e sassofoni. A volte è interessante suonare canzoni su strumenti diversi da quelli per cui il pezzo è stato scritto. Un esempio di questo è "Strange Al" Jankovic, che suona famose canzoni rock in stile polka con la fisarmonica.

Ti parlerò di quanto sia facile e semplice scegliere bellissime melodie per i tuoi brani. Come vengono creati lead, sequenze, riff armoniosi? Ci sono alcuni segreti e trucchi che facilitano notevolmente il processo di selezione delle melodie per nuove composizioni. Funzionano sempre, ed è di questo che parlo nel video.

Quali sono i tipi di suonerie? Molto spesso, ci sono diversi tipi di trasmissione melodica nella musica elettronica e hanno i loro nomi. Oggi ne prenderemo in considerazione alcuni.

Sequenze. Sequenza.

Le sequenze sono una piccola melodia che si ripete. Un segmento melodico in loop che si ripete su accordi diversi. Molto spesso, le sequenze possono essere riprodotte in passaggi diversi, ma possono anche ripetere una melodia, riproducendo ogni ciclo di ripetizioni da un passaggio.

Conduce. Guida.

I lead sono una categoria di timbri. Lead è un elemento melodico solista, derivato dalla parola "leader". Solitamente monofonico, riproduce il tema principale del brano. Molto spesso, questa è la parte più brillante e memorabile della melodia. Puoi immaginare il piombo come la parte principale di tutta l'armonia. I lead sono in testa sullo sfondo di altri elementi melodici della traccia, la composizione. Può essere presentato anche come biglietto da visita dell'intera composizione, brano. Brani e composizioni famose sono facilmente intuibili da esso.

Riff. Riff.

Una parte molto incendiaria della traccia, la composizione. Molto spesso, i riff sono usati nelle chitarre elettriche. I riff differiscono dai lead per un suono più brillante e ricco. I riff sono un pezzo di melodia molto intenso che è difficile non notare nella traccia. I riff sono spesso anche più brillanti nel suono dei soli.

pad. pad.

In un altro modo, si chiama "rivestimento" per la musica. Questo è l'accompagnamento melodico di sottofondo di una traccia, composizione, canzone. In quanto tale, il pad non è una melodia diretta, tuttavia, è direttamente coinvolto nella creazione dell'armonia per la traccia, e quindi il suo suono influenza notevolmente l'effetto della percezione di lead, sequenze e riff. È un elemento armonico, polifonico. Dona volume alla composizione. Il più delle volte, nei pad viene prescritta una progressione di accordi, che imposta l'armonia di base.

Come puoi immaginare, tutti questi elementi, che creano armonia per le tue tracce, dovrebbero costruirsi l'uno con l'altro nel modo più accurato possibile, "non rovinare" e persino causare una piacevole percezione dall'armonia data. E cosa fare se, ad esempio, non hai un'educazione musicale e vuoi combinare questi elementi della musica nel modo più efficace possibile? Puoi utilizzare algoritmi e schemi comprovati che facilitano notevolmente il processo di selezione delle melodie per le tue tracce, senza creare molte falsità e disarmonia inutili in esse.

Ora, controlla il cheat sheet qui sotto per creare melodie armoniose. A proposito, puoi scaricarlo facendo clic sull'immagine. Di seguito fornisco una spiegazione su come utilizzarlo.

Clicca sull'immagine e inizierà il download del cheat sheet in formato JPG.

Se fai 7 passi - 7 note di cui è composta la tua musica (do, re, mi, fa, sol, la, si) - allora ci saranno sempre passi più stabili e meno stabili in essi. Stabili sono quelle note che vuoi sempre ascoltare in una melodia, usarle in una melodia suona sempre bene e armoniosamente. E quelli instabili: non provocano sensazioni molto piacevoli in noi, e meno di tutti vogliamo sentirli. In breve, il rapporto tra note stabili e instabili è diverso. Se creiamo una melodia solo da passaggi instabili, allora sarà un tale casino che non ti sembrerà abbastanza! Ma se crei una melodia solo da passi stabili, allora sarà un suono molto armonioso, che è ben ascoltato, tuttavia, forse questa melodia non sarà abbastanza "pepe". Ecco perché ha senso usare tutte le note-passi, ma in proporzioni diverse, qualcosa in più e qualcosa in meno.

Quindi cerchiamo di capire quali note e altezze sono stabili e quali no. Se guardi l'immagine del cheat sheet sopra, troverai i tre passaggi più stabili: questi sono 1, 3, 5 (sono contrassegnati in verde). Se crei una melodia nella tonalità di C maggiore (C maj), queste saranno le note "C", "E", "G". Tuttavia, in altre chiavi saranno note diverse. Ad esempio, nella tonalità "Sol-maggiore" (Sol-mag) queste saranno le note "Sol", "B", "D", poiché per questa tonalità il primo passo sarà la nota "G". E nella chiave "F # Minor" (F # min) il primo passo sarà la nota "F #", e di conseguenza, le note stabili qui saranno "F #", "A", "C #". E secondo questo principio con tutte le altre tonalità. Speriamo risolto con questo.

Andare avanti. Abbiamo trovato 3 delle note di altezza più stabili, dovrebbero essere le più nella melodia. Questi sono quelli che devi prescrivere più spesso nei tuoi lead, riff, sequenze. Tuttavia, su tre note non andrai lontano, la melodia suonerà noiosa. Pertanto, per queste tre note chiameremo due livelli di nota più meno stabili - questi sono 2 e 6. Nella chiave di "C major" - queste saranno le note "D" e "A" (segnate in verde sul trucco lenzuolo). Abbiamo 5 note nel nostro arsenale. A proposito, con queste 5 note andrai molto lontano. Anche se scrivi una melodia usando solo questi passaggi, la tua melodia suonerà già bella, armoniosa e costruita con accordi per impostazione predefinita.

Abbiamo ancora 2 note-passi che sono instabili: questi sono 4 ("fa") e 7 ("si") (contrassegnati in rosso). Possono essere utilizzati anche in una melodia, ma non abbastanza per non rovinare la nostra melodia.

Idealmente, il rapporto tra tutti i gradi delle note nella melodia che stai scrivendo dovrebbe essere il seguente: più del 50% di tutte le note nella melodia dovrebbero essere passi stabili, e secondo il principio residuo, tutte le altre note sono passaggi. Solo allora la tua melodia si costruirà magnificamente, non rovinerà ed evocherà emozioni piacevoli.

Ora ti parlerò di un modo molto semplice per creare una melodia armoniosa e piuttosto bella in 5-10 minuti. Prova a usare la scala pentatonica. Il fatto è che la "scala pentatonica" è costituita proprio da quei passi di nota che sono i più stabili. La stessa scala pentatonica significa letteralmente "cinque toni". Ciò significa che devi suonare non 7 note, come siamo abituati, ma solo cinque. E queste note saranno i passaggi 1, 2, 3, 5, 6 - i passaggi più stabili e armoniosi.

La scala pentatonica è attivamente utilizzata nella musica elettronica moderna. Sebbene sia venuta da noi dall'antichità. La scala pentatonica può sempre essere ascoltata nella musica cinese, giapponese e anche tartara, baschira e ciuvascia. Alcuni canti e melodie popolari di questi popoli usano ancora la scala pentatonica come modalità principale per creare opere musicali.

Ora prova quanto segue. Crea una progressione di accordi da questo cheat sheet. Dopodiché, inserisci una melodia principale secondo il seguente schema: scrivi (suona) tutti i tasti bianchi sul tuo strumento in ordine casuale (cioè casualmente), ma non utilizzare i passaggi 4 e 7. Quelli. non scrivere le note "f" e "si" nella melodia. Spargi tutte le altre note a tuo piacimento. Se la progressione di accordi è composta da 4 accordi, ripeti la tua melodia negli ultimi due accordi. Dovresti ottenere quanto segue, sui primi due accordi suona la tua melodia registrata e sugli ultimi due accordi si ripete uno a uno. E ascolta cosa è successo. La melodia si costruirà con i tuoi accordi poiché è scritta in scala pentatonica. In esso, puoi iniziare la melodia da qualsiasi nota del tasto (da uno qualsiasi dei cinque passaggi) e terminare su una qualsiasi delle cinque note.

Come creare una bella melodia

Le melodie sono composte da una sequenza di note. Una melodia è una parte di un brano musicale che possiamo cantare, il suono principale che si distingue dal sottofondo principale. Non importa quale canzone scrivi, avrai bisogno di una melodia. Con una conoscenza di base della musica e alcuni esercizi e tecniche, scoprirai che scrivere una melodia è più facile di quanto pensi.

Passi

Parte 1

Leggi un po' di teoria musicale. Se vuoi scrivere bene le melodie, è importante conoscere almeno le basi di come viene scritta la musica prima di provare a creare qualcosa di tuo. Naturalmente, questo non è necessario. Tuttavia, più comprendi la musica, più facile sarà capire le spiegazioni dei concetti musicali.

• In questo articolo useremo termini musicali perché è difficile trasmettere queste idee senza di essi. Alcuni possono essere spiegati, ma altri sono troppo difficili da spiegare brevemente. Se non capisci cosa sono il battito, il ritmo e il tempismo, dovresti comunque leggerlo prima.

1. Scegli la forma della tua canzone. La forma della canzone è una sorta di divisione di genere, ma per la musica. Tutta la musica di solito segue una forma che determina quali parti ed elementi sono appropriati e quando è il momento di cambiarli. Probabilmente sei più abituato a questo concetto nella musica popolare con idee per solisti e cori. Qui, non devi seguire questi moduli, ma può aiutarti a definire una tabella di marcia con cui lavorare quando componi una melodia.

   • La forma più comune della canzone si chiama AABA. Ciò significa che ci sono due "ritornello", "ritornello", e poi un altro "ritornello". In altre parole, una sezione che suona in qualche modo, seguita da un'altra che suona allo stesso modo, poi qualcos'altro e infine, tornare all'argomento della prima sezione.
   • Tuttavia, ci sono molte forme diverse, quindi considera quale è la migliore per te. Puoi considerare AAAA, ABCD, AABACA, ecc. Oppure, ovviamente, puoi fare qualcosa di completamente diverso.

2. Esplora i generi di canzoni. Alcuni generi musicali hanno un certo stile e se vuoi che suoni esattamente come è, allora dovrai registrare la tua melodia in un certo modo. Leggi in anticipo il genere di musica che stai cercando di comporre, verifica se ci sono caratteristiche uniche di quel genere in termini di struttura, tonalità o progressioni.

   • Ad esempio, le progressioni di accordi per blues e jazz corrispondono a forme specifiche. Il jazz usa molti accordi, quindi devi cercare accordi jazz prima di scrivere canzoni di questo genere.

3. Pensa a un musicista. Indipendentemente da chi sta eseguendo il brano musicale che stai scrivendo, prima o poi avrà bisogno di una pausa. Le dita avranno bisogno di riposo e i cantanti avranno bisogno di riprendere fiato. Devi capire come rompere la canzone e aggiungere interruzioni come questa. Cerca di distanziarli uniformemente a intervalli e di renderli abbastanza frequenti da poter eseguire la canzone.

   Analizza le tue canzoni preferite. La prima cosa che puoi fare per acquisire le tue capacità di registrazione della melodia è iniziare smontando alcune delle tue canzoni preferite. Colleziona una serie di canzoni con grandi melodie Di solito quando ascoltiamo la musica ci immergiamo in essa, giusto? Ma devi farne una tabella di marcia... concentrati!

   • Annota come cambiano le note. Come sono costruiti? Come ti fa sentire il tono? Come funziona la melodia con i testi? A che serve una melodia? Cosa non funziona o cosa potrebbe esserci di meglio? Puoi trasferire queste lezioni sui tuoi brani.

   Parte 2

   Creazione della base

   1. Cerca di non iniziare con i testi. Se, naturalmente, sei il miglior paroliere, potresti essere incline a iniziare con la poesia. Tuttavia, questo è teso e non raccomandato, soprattutto se la tua educazione musicale è molto limitata. Quando inizi con i testi, devi basare la tua melodia sul ritmo naturale delle parole, e questo può essere molto difficile, soprattutto per un principiante. Tuttavia, se vuoi, puoi comunque iniziare con i testi.

   2. Giocare a! Può sembrare un po' sciocco, ma molti dei brani migliori provengono da qualcuno che ha appena suonato note casuali sul pianoforte. Se hai uno strumento con cui puoi scherzare, prova questo. Gioca semplicemente facendo variazioni o semplicemente saltando finché non trovi qualcosa che suona bene.

      • Se non possiedi uno strumento, puoi cantare o utilizzare lo strumento su Internet. Puoi trovare molti siti Web e app di pianoforte gratuiti disponibili per il tuo dispositivo mobile.

   3. Converti un'idea semplice. Puoi prendere un'idea molto semplice per una melodia, solo una sequenza di tre o quattro note, e trasformare quel seme dell'idea in un'intera melodia. Ad esempio, prendi un piccolo gruppo di note che hai trovato suonando secondo il passaggio precedente. Pensa a come pensi che dovrebbe svilupparsi la melodia.

      • Le persone che sono naturalmente musicali spesso inventano piccoli brani musicali, come un artista prende un'idea per disegnare. Se suona come te, tieni un registratore vocale digitale o un laptop nelle vicinanze (se conosci un qualsiasi tipo di registrazione musicale).

   4. Inizia con gli accordi. Se sei abituato a creare accordi, puoi anche trovare la melodia suonando gli accordi. Questo è tipico per le persone che suonano il pianoforte o la chitarra, poiché questi strumenti si basano molto sugli accordi. Fai lo stesso di cui abbiamo parlato nel passaggio 1, ma con gli accordi, finché non trovi qualcosa che ti suona bene.

      • Puoi trovare siti web che suonano accordi per te se non hai uno strumento o non conosci molti accordi.
      • Prova a lavorare con gli accordi e trova il modo per renderli più complessi. Scoprirai che poiché puoi estrarre solo un suono alla volta, avrai una melodia anche prima di ascoltarla. Non preoccuparti dei testi, i musicisti professionisti scrivono quasi sempre prima la melodia e canticchiano le sciocchezze invece delle parole.

   5. Prendere in prestito da una suoneria esistente. Rubare la canzone di qualcuno è una cattiva idea, ma come prendere una piantina per coltivare il tuo giardino, puoi prendere la più piccola scheggia da un'altra canzone e trasformarla in qualcosa di completamente diverso. Se prendi solo una sequenza di circa quattro note e apporti abbastanza modifiche, la tua musica diventa completamente originale. Ricorda solo che lo stai trasformando in qualcosa di completamente diverso.

      • Un buon pezzo dovrebbe prendere in prestito da vari generi musicali. Diciamo che vuoi registrare una canzone popolare, per esempio. Prova a prendere in prestito dal rap. Vuoi registrare una canzone country? Prendi in prestito dai classici.

   6. Costruisci sul motivo. Un motivo è una serie di note che formano un'"idea" musicale. Molte canzoni prendono una melodia e poi ripetono questa serie di note con lievi variazioni per creare una melodia. Se hai difficoltà a trovare una melodia, questo è di grande aiuto, poiché puoi iniziare con il set di note specificato.

      • Uno dei migliori esempi di ciò è l'Allegro della Sinfonia n. 5 di Beethoven. Ha appena preso la melodia principale e l'ha ripetuta molte volte e ha creato uno dei più grandi brani musicali di tutti i tempi.

   Parte 3

   Brillare

   Aggiungi gli accordi se non li hai già. Se non hai iniziato con gli accordi, puoi aggiungerne alcuni ora. Gli accordi renderanno la tua canzone più piena e complessa, anche se puoi farne a meno o usare solo accordi molto semplici se vuoi più malinconia esponendo il suono.

   • Inizia stabilendo il tono con cui è scritta la tua melodia. Alcuni accordi suonano meglio con alcuni toni rispetto ad altri. Ad esempio, se la tua canzone inizia con un C (prima), allora sarebbe appropriato iniziare con un accordo C (prima).
   • Quando cambiare gli accordi dipenderà davvero dalla tua canzone, ma cerca di determinare quando cambiare i suoni o la melodia. Di solito, i cambi di accordo si verificano al primo movimento, all'inizio di una misura. Puoi anche usare il cambio di accordo per introdurre un altro accordo. Ad esempio, in una canzone 4/4, potresti avere un accordo sulla prima battuta e poi un altro sulla quarta prima di introdurre l'accordo successivo nella misura successiva.